FOTOGRAFÍA

Década de los 00

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Comienzo de siglos: Fotografía en Femenino

Lista de Paula Fuentes y Jairo M. Ramos

Teresa Correa

Desirée Martín Peraza

María Teresa Negrín

Luz Sosa Contreras

Maryam Alvarado

Ana Rivero Arcos

Teresa Arozena

Carmela García

La primera década del siglo XXI supone tanto en fotografía como en el resto de las artes el periodo de transición entre lo analógico y lo digital. Es el nacimiento de muchas redes sociales que manejamos hoy día (y que han dado a la fotografía unos usos y costumbres totalmente nuevos) y la desaparición (de modo general) de formatos como los negativos, el revelado y el ritual de la espera para la obtención y el disfrute de las instantáneas.
Cultural y económicamente parecía que el crecimiento era exponencial hasta que en 2007 llega la crisis financiera y cae como una bomba en el sector cultural en forma de recortes que anteriormente se había visto favorecido con la creación de diferentes espacios de exposición públicos y privados, concursos, recursos, etc.

Esta lista como toda clasificación es un esbozo incompleto que pretende poner una pincelada a la historia de la fotografía en Canarias y que se ha centrado en mujeres fotógrafas de las islas. Al ir a elaborar el artículo nos dimos cuenta de la poca documentación que hay del trabajo de muchas de ellas (aunque lleven toda una vida) en comparación con compañeros fotógrafos de la misma etapa.
Así que lo que en un principio iba a ser una lista igualitaria se transformó en un decálogo femenino para aportar un pequeño grano de arena a la visibilización digital de la mujer en esta profesión.
Hemos querido no solo centrarnos en la fotografía como objeto de exposición sino reivindicar otras vertientes, expresiones, formas y formatos que albergan del mismo modo este arte.

María Pisaca (Tenerife, 1971) – La otra mirada del Circo Chino. Exposición, sala “Los Lavaderos”, 2006.

María Pisaca es sinónimo de fotoperiodismo canario con mayúsculas, disciplina fotográfica que ha sabido modelar no solo captando la información relevante sino dotándola de talento artístico: ver la vida a través de un encuadre. Su primer contacto con una cámara fotográfica hará que su pasión se convierta en profesión a lo largo de toda su vida. Su experiencia en eventos deportivos tendrá que combinarla con otras sesiones (destacando su estancia en el Parlamento) dando lugar a jornadas semanales maratonianas para luchar contra la precariedad laboral existente en el sector. Aún así, es en esta primera década del siglo XXI cuando realiza diversas exposiciones colectivas, recibe diferentes premios por fotografía de prensa y es en 2004 cuando llega a Canarias el Gran Circo
Nacional Chino. Este evento lo convertirá en una serie de fotografías que se traducirá al año siguiente en una exposición en La Casa de la Aduana que será ampliada en 2006 para la sala de Los Lavaderos. Exposición que marcará un antes y después en su carrera no solo por ser la primera en solitario sino también porque será el arranque público para su faceta más artística.
Ofrece la imagen tanto de las actuaciones donde se mezclan acrobacias, constantes cambios de luz y velocidad como todo lo que se esconde entre bambalinas. La fotógrafa destaca esta imagen por ser un icono de tranquilidad, paz e inicio de una etapa que cambiará su profesión.

Teresa Correa (Gran Canaria, 1961) – Madre. Obra inaugural de su proyecto creativo y de
investigación antropológica, Museo Canario, 2003

Teresa Correa, entiende este medio visual como un acto de desvelar los diferentes estratos que escapan a la vista y descubrirlos en cada instantánea. Profundiza en los procesos humanos, naturales y en los límites del conocimiento de todo entramado artístico o tecnológico siendo en estas fronteras donde capta la fractura del momento. La trastienda de los museos arqueológicos y etnográficos se convierten en fuente de inspiración a modo foucaultiano: descontextualizar para recontextualizar los objetos allí presentes.
A principios de este siglo, trabajando en el Museo Canario como fotógrafa científica, la artista visual se encuentra con el cráneo 1.383 de una mujer de procedencia norteafricana de unos dos mil años de antigüedad y detecta una similitud muy grande entre éste y el suyo. Así nace su proyecto Madre, nombre que recibe el cráneo y que será la génesis de un proceso de estudio antropológico a la par que artístico que plantea la reflexión y el debate acerca de cómo y quiénes escriben la Historia y configuran la memoria colectiva dejando fuera el relato de las mujeres, a la vez que plantea también la reconfiguración de las ideas de identidad, tiempo o memoria.
Para Correa Madre es el origen: imágenes que se han ido mostrando a través del paso del tiempo que son simiente del imaginario colectivo y que sirven igualmente para reflejar la discriminación que ha habido de la mujer tanto histórica como culturalmente.

 

Desirée Martín Peraza (Tenerife, 1974) – Cayuco en las costas de Tenerife. Premio Ortega y
Gasset de Periodismo, categoría de periodismo gráfico, 2007

Desirée Martín, licenciada en Biología, técnica en enfermería e interprete de lengua de signos (entre otras formaciones académicas) se topa irremediablemente con el fotoperiodismo haciendo de él su profesión. Trabaja para diferentes agencias y periódicos de ámbito insular y nacional hasta establecerse como freelance. El reportaje social y el documentalismo marcarán su carrera y será su medio para denunciar la cruda realidad que tantas veces recoge en sus instantáneas. Entiende el fotoperiodismo como herramienta de cambio comenzando desde lo local para ser testigo de ello.
Colaborando para la agencia EFE, el 22 de marzo de 2006 el periódico ABC saca en portada la toma Cayuco en las costas de Tenerife que le valdrá a Martín el premio al año siguiente. La autora recuerda el instante en el cual sacó la foto rodeada como habitualmente solía suceder de compañeros y compañeras de prensa, premura y la adrenalina de cubrir la noticia.
La captura de ese momento donde el cayuco atestado de personas migrantes a las que se les ofrece agua llega al muelle de Los Cristianos supuso que el jurado resaltase”el poder expresivo de esta fotografía, que capta un instante dramático de la llegada de los inmigrantes a Canarias”.

 

María Teresa Negrín (Lanzarote, 1977) – Mother and Son. Exposición colectiva Caixa Gallega,
Santiago de Compostela, catálogo físico, 2003

María Teresa Negrín, autodidacta y formada luego por profesores como Alberto García Alix o Chema Madoz es también diplomada en MK&Publicidad. Ha expuesto en diferentes salas y galerías nacionales e internacionales, trabajado en múltiples rodajes y ha mostrado su obra gráfica en diferentes películas entre otros diversos trabajos multidiciplinares que abarcan los medios digitales, la prensa y el mundo de las artes escénicas y el cine. En New York, dentro de la acción benéfica de Bodegas Osborne, retrata a personajes de la talla de Ferrán Adriá o Victorio&Lucchino.
En esta década su arte busca un orden: el equilibrio entre técnica y estilo. No abandona la fotografía analógica pues se fascina con el elemento sorpresa que conlleva el momento de la experimentación y el revelado. Sus métodos con los que prueba y juega son el cruzado, las películas infrarojas y los procesos inversos entre otros. Va muy en línea con el movimiento fotográfico de lomografía que surge en los noventa y se asienta años después.
En Mother and Son emplea una cámara compacta analógica sumergible y en el revelado utiliza el proceso”cruzado”. Impresa en papel canvas y barnizada a brocha con barniz, montada en aluminio con bastidor de madera.

 

Luz Sosa Contreras (Tenerife, 1978) – Arriba las que luchan. Proyecto de fotografía
documental, 2008

Luz Sosa no es solo fotoperiodismo y fotografía documental, es además hablar de compromiso social fotográfico. Su trayectoria salta el charco hacia Haití y República Dominicana para trabajar como corresponsal para diferentes agencias al igual que se involucra con organizaciones no gubernamentales y asociaciones para documentar entre otros temas los derechos humanos, la migración o el patrimonio cultural. Igualmente su labor profesional transcurre por trabajos de documentación, guión y dirección de fotografía en algunos documentales.
Cabe destacar su labor docente con diferentes talleres y charlas en torno a la fotografía al igual que su cobertura de varios festivales de música, cultura y artes escénicas.
En 2008 junto con Fran Afonso, Gonzalo Rodríguez y Esperanza Jorge (Maspe) es copartícipe del proyecto de fotografía documental Arriba las que luchan que viene a dar cobertura gráfica a las luchas sociales en la isla de Tenerife. La fotografía como imagen revelada y también rebelada: ser el altavoz de la lucha colectiva olvidada (intencionalmente) a la vez que crear memoria de la Historia que va más allá de la oficial (desde abajo). Resistencia contracultural que tiene como eje central la fotografía como herramienta de intervención en el constructo social de la memoria colectiva y la transformación comunitaria.

 

Maryam Alvarado (Gran Canaria, 1978) – Identidades. Serie fotográfica, Fotonoviembre
2009 

Maryam Alvarado Molina (Malmo) en su fotografía quiere plasmar la imaginación, la psicodelia de su creatividad, mediante las emergentes herramientas digitales de esta década y cobra singular importancia la fascinación que le transmiten las personas pues considera el cuerpo humano el eje central de su obra, en concreto la figura de la mujer. Su representación es lo más que le inspira: el devenir de la mujer en la Historia destacando su dualidad: sutileza y fortaleza de lucha.
Entiende el proceso creativo como dos sinergias que se complementan: de dentro hacia afuera y viceversa: de su fuero interno mental hacia el mundo que la rodea y la inspiración del mundo exterior (naturaleza, poesía, cine, luz) hacia sus pensamientos. Ambos procesos coexisten a la hora de crear y buscar ideas.
En esta serie parte de la cotidianidad, de la esfera de lo privado, para mostrar la complejidad femenina en su identidad, en su historia, en sus diferentes contextos.
Utiliza el elemento de serie fotográfica como un lenguaje a caballo entre la foto (quietud) y el vídeo (movimiento) para crear su narración y ofrecerle al público la libertad de componer su propia historia.

 

Ana Rivero Arcos (Tenerife, 1972) – La Tapa. Portada de fanzine, febrero de 2009

Ana Rivero Arcos (Anarcos): más allá de la fotografía, más allá de la docencia. Artista multidisciplinar que entiende la fotografía como un medio para manifestar diferentes disciplinas artísticas mezclando lo lúdico, lo absurdo, la importancia del ir más allá de las reglas para disolver el arte en la cotidianidad sin olvidar los espacios públicos. Compaginado con su faceta de enseñante que se fundamenta en prender la chispa del talento que hay en el alumnado mediante tres premisas:
curiosidad, paciencia y observación.
Desde la década anterior su búsqueda se basa en la combinación de lo figurativo, lo conceptual y de nuevas formas de lenguajes y formatos. En esta etapa entra a formar parte de la Asociación Beecham proyecto editorial atípico de donde nace el fanzine La Tapa. Revista autofinanciada de formato Din A6 (pequeño y rápido de consumir) en donde texto (máximo diez líneas) e imagen se acompañan en dos páginas (de ahí el símil gastronómico) y en la cual las condiciones de calidad, censura y temática las marca el artista. Anarcos realiza no solo la labor que hay detrás de todo proyecto sino que participa activamente con diferentes portadas, fotografías e ilustraciones.

 

Teresa Arozena (Tenerife, 1973) – Cuerpos inestables. Exposición, Ateneo de La Laguna, 2007

Teresa Arozena toma contacto con la fotografía desde muy joven y es en el Centro de Fotografía Isla de Tenerife, tras cursar diferentes talleres y asistir a numerosas charlas, donde prenderá la inquietud por esta forma de lenguaje visual. Camino que la llevará a estudiar Bellas Artes entre Tenerife, Madrid y Toulouse y a doctorarse por la Universidad de La Laguna haciendo un análisis de las conexiones entre fotografía, narrativa y movimiento.
La exposición Cuerpos inestables supone una inflexión de su trabajo hasta ese momento: pasa del montaje teatral del contexto que plasmaba en un fotograma a la libertad de un procedimiento más abierto. Hace un análisis y crítica al sistema neoliberal privatizando lo público de una forma positiva: los espacios comunes (que han sufrido especulación por el capitalismo) y el espacio privado (que ha sido minimizado y convertido en producto) son re-apropiados a través de sus fotogramas y re-convertidos en experiencias beneficiosas y colectivas.
En estas obras hay una constante batalla dialectal entre dos conceptos fundamentales (que están presentes en toda su carrera): la idea de reposo frente a la noción de movimiento debido a que la instantánea captura dicho movimiento, acto que muestra la anomalía de ese objeto detenido.

Carmela García (Lanzarote, 1964) – I want to be. Colección TEA Tenerife Espacio de las
Artes Cabildo Insular de Tenerife, 2008

Carmela García en su proceso creativo parte de la duda y llevada de la mano del azar y la intuición va formando sus proyectos. Después queda pulirlos y perfilarlos con tiempo y sin presión. Lanza una reflexión crítica a la Historia para deconstruirla y volverla a narrar desde el feminismo y las relaciones lésbicas. En sus obras rompe la hegemonía de la mirada masculina poniendo como eje fundamental un mundo idealizado donde las protagonistas son las mujeres.
Ha expuesto en museos tanto nacionales (Reina Sofía, CAAM, MUSAC, etc) como internacionales (MOMA, MOT, Paris, etc) y en diversas ferias de riguroso prestigio: Art Bassel, Arco Madrid, Paris Photo…
Entre 2006 y 2008 crea I want to be serie donde García parte de los retratos de un grupo de mujeres artistas fotografiado principalmente por Berenice Abbot. Mujeres que rompían moldes y convenciones sociales del momento. Son reinterpretardos para inspirarse y actualizarlos a su mirada y contexto. Presente y pasado como vasos comunicantes que se retroalimentan: aproximar esa evocación del París de entreguerras a la actualidad mediante artistas, amigas y mujeres de su entorno. Una forma transgresora de reescribir y releer la Historia recuperando y descubriendo referentes.

 

Elvira Urquijo Álamo (Gran Canaria, 1967) – Cobertura de los actos homenajes por el
accidente aéreo JK5022. Agencia EFE, 2008

Elvira Urquijo nace ligada a la fotografía pues su padre Félix Urquijo no solo fue fotógrafo de profesión sino tambíen su primer mentor. Se forma en Periodismo en la Universidad del País Vasco y ejerce sus prácticas en la Agencia EFE, lugar que después se convertirá en su centro de trabajo comenzando como redactora aunque las cirscunstancias de la vida la llevarán a decantarse por el fotoperiodismo. Considera que es mucho más sencillo narrar la realidad con una fotografía que con palabras: las imágenes hablan por sí solas.
En el año 1993 da el salto convirtiéndose en la primera fotógrafa de la Agencia EFE y una de las primeras del ámbito canario. Realiza su labor en el servicio regional de fotografía de Canarias de EFE, contexto insular que define notoriamente toda su carrera pues cubrirá muchas noticias sobre migración. En 1997 tomará la instantánea de un polizón entre barrotes que marcará un antes y un después tanto personal como profesionalmente.
En 2008 se produce el desgraciado accidente aéreo JK5022 y el 20 de agosto de ese año la Asociación de Afectados de dicho vuelo hace un homenaje recordando a las víctimas con un ramo de 154 rosas blancas que los familiares lanzaron al mar, momento que captó Urquijo y que pasó a formar parte (como tantas otras de su hemeroteca) en Historia reciente de Canarias.

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